A través de los rostros, las calles y la cultura de Mexicali, esta propuesta visual explora las emociones y los rituales cotidianos que permanecen intactos tras el fervor de un evento
efímero.
MEXICALI, BAJA CALIFORNIA – Cuando las luces del estadio se apagan, los banderines se guardan y el ruido de la fiesta se disipa, surge la pregunta: ¿qué queda de nosotros? Con esta premisa nace «La Cruda del Mundial», una sesión fotográfica y propuesta editorial que explora la transición entre la euforia masiva y la belleza de la vida cotidiana.
El proyecto toma la metáfora de la «cruda» —esa resaca física y emocional tras un gran festejo — para emprender un viaje visual a través de la permanencia de la identidad mexicana. La narrativa demuestra que el sentido de pertenencia y la pasión no dependen de un partido ni de un marcador, sino de todo lo que habita en las calles y en nuestra cultura.

«El Mundial es un chispazo efímero, pero nuestra identidad es constante. Nos interesaba capturar ese ‘día después’: el contraste entre el espectáculo global y la autenticidad de los rituales que realmente nos sostienen como sociedad», señala la dirección creativa del proyecto.
Mexicali: Escenario, Cultura y refugio El shoot encuentra en Mexicali el escenario perfecto para contar esta historia. Sus calles, marcadas por un carácter único y un calor honesto, sirven de telón de fondo para retratar el regreso a la rutina de personajes reales.

La icónica influencia de la cultura china, la vida fronteriza y la esencia mexicalense cobran un protagonismo clave en la narrativa. La gastronomía local no solo actúa como el remedio tradicional y reconfortante para «curar» la resaca, sino como un pilar de reunión social. Ya sea compartiendo en un restaurante de comida china tradicional o en una cervecería local tras la jornada laboral, estos escenarios se revelan como los verdaderos rituales que devuelven el aliento y reafirman quiénes somos cuando los reflectores del mundo se apagan.

Este editorial shoot retrata un día habitual en la vida de Mariana, Frida y Jimena. Tras haber asistido a la fiesta de clausura del Mundial, se despiertan para continuar con su rutina en Mexicali. Al finalizar la jornada, las tres coinciden para platicar sobre la noche anterior y, por supuesto, de moda —uno de los tantos intereses que las unen— mientras se toman fotos con los looks icónicos que vistieron ese día.

Las Roomies

Este grupo de amigas comparte departamento en Mexicali, Baja California, y cada una se desenvuelve en profesiones donde la pasión es el motor principal.
• Mariana, la chica ejecutiva: Excéntrica y con un toque dramático al vestir, trabaja en un entorno corporativo donde predominan los trajes en tonos grises y negros. Sin embargo, fiel a su estilo vanguardista, le da un giro a su vestuario incorporando colores súper vivos y acentuando su propuesta con accesorios dorados.

• Jimena, la raíz norteña: Lleva su esencia en un estilo urbano-vaquero, experimentando constantemente con detalles en sombreros, cinturones de inspiración rodeo y sus clásicas botas. Apasionada de la moda y del arte, se dedica a la curaduría y al montaje de exposiciones para impulsar el talento local de su estado.

• Frida, la chica concepto: Mercadóloga en la industria de la moda, es sumamente dinámica, auténtica y relajada. Es la encargada de crear el mejor contenido dentro del grupo y de curar las mejores tendencias. Su estilo destaca por el uso del color, la superposición de prendas (layering) y la abundancia de accesorios, todo mantenido bajo una estética smart casual.

Los Escenarios y los Looks

Para representar el vestuario de cada una, se seleccionaron tres escenarios emblemáticos en la capital del estado:
• El Barrio Chino x Mariana: Se eligió la fachada de un restaurante y un callejón dentro del Barrio Chino de Mexicali, rindiendo homenaje a la profunda presencia de esta cultura en la ciudad. El vestuario toma inspiración en la gastronomía local, específicamente en los tonos del pollo a la naranja: rojos y anaranjados brillantes y mates, complementados con destellos dorados.

• El Tap Room x Jimena: Parte de su sesión se realizó en la sala de degustación de Fauna, una de las cervecerías artesanales más reconocidas y premiadas del estado. La atmósfera del lugar armonizó a la perfección con la propuesta estética de Jimena, donde los tonos tierra y plateados lograron proyectar ese estilo norteño urbano que se buscaba reflejar.

• La Frontera x Frida: Frida fue la encargada de encarnar el paisaje fronterizo en las rejas que dividen a México de Estados Unidos, destacando la escala de la estructura frente a la figura humana. Los colores vivos y cálidos del vestuario crearon un contraste clave con el tono de la reja y la textura arenosa del terreno.

Hermès apuesta por el talento mexicano: artesanos locales crean los escaparates de sus boutiques en México

La maison francesa Hermès reafirma su compromiso con la artesanía y el diseño al colaborar con maestros artesanos mexicanos para la creación de los escaparates de sus tiendas en el país. Una iniciativa que pone en el centro el valor del trabajo hecho a mano y la riqueza cultural de México.

En una industria donde el lujo suele mirar hacia la innovación tecnológica y la producción exclusiva, Hermès vuelve a demostrar que el verdadero lujo también reside en el trabajo artesanal. Para sus boutiques en México, la firma francesa decidió colaborar con Mestiz, un estudio mexicano de diseño que trabaja de la mano con artesanos tradicionales para desarrollar instalaciones y mobiliario elaborados completamente a mano.

Las coloridas piezas que adornan los escaparates destacan por sus formas orgánicas inspiradas en flores, aves y elementos de la naturaleza mexicana. Cada una de ellas fue tejida y elaborada artesanalmente por maestros artesanos, convirtiendo las vitrinas en una celebración del patrimonio cultural del país.

¿Quién está detrás del proyecto?

Durante estos días, el arte sale del recinto ferial y se expande por la ciudad. Museos, fundaciones, espacios independientes
y galerías construyen una programación paralela que convierte a CDMX en un circuito vivo: exposiciones, performances, recorridos curatoriales, charlas, intervenciones en el espacio público y encuentros nocturnos que cruzan generaciones y disciplinas.

La Semana del Arte no se vive solo desde la contemplación, sino desde la experiencia. Se camina, se conversa, se cuestiona y se celebra. Es un momento en el que el arte se vuelve pretexto para encontrarnos, para pensar el presente y para imaginar futuros posibles desde América Latina hacia el mundo.

Su modelo de trabajo prioriza el comercio justo y la colaboración directa con artesanos especializados en técnicas como:

* Tejido en fibras naturales.
* Cestería.
* Cerámica.
* Bordado.
* Madera tallada.
* Palma y mimbre.

Una alianza entre el lujo y la identidad cultural

Hermès es reconocida mundialmente por su profundo respeto hacia los oficios artesanales. Desde su fundación en 1837 como fabricante de arneses ecuestres en París, la firma ha construido su prestigio alrededor del trabajo manual, la excelencia en los materiales y la producción cuidadosa.

Por ello, la colaboración con artesanos mexicanos resulta coherente con los valores históricos de la maison: reconocer que detrás de cada objeto existe conocimiento transmitido durante generaciones.

Más que una estrategia estética, la iniciativa representa una forma de dar visibilidad internacional al talento mexicano, integrando técnicas tradicionales dentro del universo del lujo contemporáneo.

Artesanía mexicana con proyección internacional

Durante los últimos años, el diseño mexicano ha ganado reconocimiento global gracias a estudios, artistas y marcas que trabajan junto con comunidades artesanales para preservar técnicas ancestrales mientras generan nuevas oportunidades económicas. Colaboraciones como esta permiten que los escaparates de una de las firmas de lujo más importantes del mundo funcionen también como una plataforma para mostrar el valor cultural de la artesanía mexicana. Además de embellecer los espacios comerciales, estos proyectos contribuyen a mantener vivos oficios tradicionales y fomentan un consumo que reconoce el tiempo, la creatividad y el conocimiento detrás de cada pieza.

El lujo también puede ser artesanal

La colaboración entre Hermès y Mestiz demuestra que el lujo contemporáneo ya no se define únicamente por la exclusividad de un producto, sino también por la historia que cuenta y las manos que lo crean.

En un contexto donde la sostenibilidad, la autenticidad y el respeto por el patrimonio cultural cobran cada vez mayor importancia, iniciativas como esta posicionan a México como un referente internacional en diseño artesanal y creatividad.

Ciudad de México, junio 2026 — El 4 de julio de 2026 no es un día cualquiera: Estados Unidos cumple 250 años, y Pinche Gringo BBQ lo celebra como nadie más en la Ciudad de México. Música en vivo, toro mecánico, un concurso de brisket que ya es leyenda y un menú que solo existe una vez al año — todo en dos locaciones icónicas, un solo día. No querrás perdértelo.

La cita es el sábado 4 de julio, a partir de las 10:00 hrs., en dos de nuestras locaciones icónicas: Warehouse Polanco (Lago Iseo #296, Col. Anáhuac) y Patio Narvarte (Cumbres de Maltrata 360). Entrada libre con registro previo

UNA CELEBRACIÓN HISTÓRICA: EL 250 ANIVERSARIO

En 2026, Estados Unidos cumple 250 años de independencia — un hito que Pinche Gringo BBQ celebra con orgullo como el puente entre la cultura mexicana y americana que siempre ha sido. Este año la fiesta es más grande, más emotiva y más significativa que nunca. ¡Ven a ser parte de la historia!

ACTIVIDADES SIN COSTO

¿Puedes con el toro mecánico? ¿Resistes horas de música en vivo? ¿Te animas a los juegos de feria al estilo americano? Y sin salir de la CDMX, vivirás el show de fuegos artificiales de Macy’s desde Manhattan en transmisión en vivo. La magia del 4th of July, completa. Todo esto sin costo

CONCURSO ANUAL DE BRISKET — BRISKET EATING CONTEST

El evento más esperado del año regresa. El 13th Annual Brisket Eating Contest pondrá a prueba a los más valientes en una competencia de resistencia y amor por el BBQ, por un premio de $10,000.00 MXN. ¿Tienes lo que se necesita?

ACERCA DE PINCHE GRINGO BBQ

Fundado en 2013 por el artista mexicano Roberto Luna y el norteamericano Dan Defossey, Pinche Gringo BBQ nació como un puente entre las culturas mexicana y americana en el corazón de la Ciudad de México. Inspirados en la escena cultural de Austin, TX, desde su origen han traído la auténtica experiencia del BBQ texano: baby ribs, pulled pork, salchichas y un brisket cocinado en humo por más de 14 horas en leña de encino.
Hoy, Pinche Gringo BBQ cuenta con 7 sucursales (2 flagships y 5 sandwich shops) y es referente indiscutible de la gastronomía americana en México.

Hay materiales que visten un espacio y hay otros que lo definen.

Para Vangi Uriegas, fundadora de Nook Decor Studio, el textil pertenece a la segunda categoría. Lejos de entenderlo como un elemento decorativo, su trabajo propone convertirlo en el punto de partida de una arquitectura emocional donde las texturas, las fibras y los procesos artesanales construyen atmósferas con identidad.

En una época en la que el interiorismo busca experiencias más auténticas y menos estandarizadas, Nook se ha consolidado como una de las propuestas mexicanas más interesantes dentro del diseño contemporáneo. Su visión parte de una idea sencilla, pero poderosa: los espacios también pueden sentirse a través del tejido.

Aunque el estudio fue fundado oficialmente en 2021, sus primeras exploraciones comenzaron años antes en un taller colaborativo en Tulum, desde entonces, Vangi ha desarrollado un lenguaje propio que dialoga entre el diseño, el arte textil y la arquitectura, creando proyectos donde el material no acompaña al espacio: lo transforma.

El nombre Nook resume perfectamente esa filosofía. En inglés significa un rincón íntimo y acogedor; en maya, «tejido», dos conceptos que convergen en una propuesta donde cada pieza busca convertir un lugar en un refugio sensorial.

Eclecticismo curado

Con más de dos décadas de trayectoria, Vangi Uriegas ha construido una estética que define como eclecticismo curado. Su trabajo combina fibras naturales como algodón, lana, alpaca o yute (en su mayoría de origen mexicano) con procesos semi–industriales y una profunda exploración artesanal. El resultado son piezas irrepetibles que encuentran belleza en la imperfección y reivindican un lujo mucho más ligado al oficio que a la producción en serie.

Ese enfoque cobra vida dentro del laboratorio textil de Nook, un espacio de experimentación donde técnicas tradicionales como el telar de pedal, el bordado o el tufting se reinterpretan desde una mirada contemporánea. Este último se ha convertido en una de las firmas del estudio al expandir sus posibilidades más allá de los tapices, integrándose en cabeceras, luminarias, mobiliario e incluso piezas escultóricas que aportan volumen y profundidad a los interiores.

Casa Aku, Athara 22 y Proyecto Miraluna

El diseño en una experiencia profundamente humana.

Bajo los principios del slow design, el estudio apuesta por procesos responsables, reutilización de materiales y colaboración con talento local, especialmente mujeres que participan en técnicas de bordado, anudado y acabados. Más que preservar las tradiciones de manera literal, Nook las reinterpreta para mantenerlas vivas dentro del diseño contemporáneo.

En un momento donde el interiorismo parece volver a privilegiar lo sensorial sobre lo ornamental, el trabajo de Vangi Uriegas confirma que el futuro del diseño también puede encontrarse en las fibras. Porque cuando el textil deja de ser un accesorio y comienza a dialogar con la arquitectura, los espacios adquieren una nueva dimensión: una donde la textura se convierte en lenguaje, el material en emoción y el diseño en una experiencia profundamente humana.

En México Está de Moda, celebramos a los creativos que están redefiniendo la forma en que entendemos el diseño mexicano. Nook Decor Studio es prueba de que la innovación también puede tejerse, hilo por hilo, desde México hacia el mundo.

Durante años, la conversación sobre belleza ha estado centrada en lo visible. La piel, el cuerpo, el rostro. Pero hay algo que siempre ha estado ahí —presente, constante— y que rara vez se ha entendido desde su complejidad real: el pelo.

No como tendencia. No como estética. Sino como identidad.

En un momento donde el skincare dejó de ser un lujo para convertirse en un hábito informado, el cuidado capilar comienza a transitar un camino similar. Ya no se trata de “verse bien”, sino de entender qué está pasando realmente con el cuero cabelludo, con la fibra, con el paso del tiempo sobre algo que, a diferencia de cualquier prenda, no se cambia todos los días.

Ahí es donde esta historia encuentra sentido.

Cuando el pelo deja de ser accesorio

Después de casi cinco décadas dentro de la industria, Francisco Iglesias no está presentando una línea más de productos. Está poniendo sobre la mesa una idea que parece obvia, pero que durante años fue ignorada: el pelo también envejece, y el cuero cabelludo es piel.

Este cambio de enfoque no es menor. Implica mover la conversación del styling hacia la salud. De la apariencia hacia la estructura. De la promesa inmediata hacia el proceso.

En un mercado saturado de soluciones rápidas, recetas caseras y discursos que romantizan lo “natural” sin cuestionarlo, la propuesta introduce un lenguaje distinto: biotecnología capilar.

No como tendencia, sino como consecuencia lógica de un consumidor más informado.

Más ciencia, menos intuición

La industria de la belleza ha vivido durante años de la intuición: prueba y error, recomendaciones genéricas, productos que prometen funcionar para todos.

Lo que propone este sistema es lo contrario.

Un modelo basado en diagnóstico.

A través de un análisis capilar 360° asistido por inteligencia artificial, se estudia la condición real del cuero cabelludo, el folículo y la fibra. No desde la percepción, sino desde datos concretos.

Este punto es clave porque redefine el valor.

El lujo ya no está en el empaque ni en el discurso. Está en la precisión.

En entender qué necesita cada persona antes de recomendar cualquier rutina.

El nuevo lenguaje del cuidado capilar

Hablar de ingredientes ya no es suficiente. Hoy la conversación está en cómo funcionan.

Tecnologías como complejos antioxidantes contra radiación UV, estructuras inspiradas en el ácido hialurónico para reforzar la barrera capilar, o sistemas biomiméticos que replican la cutícula del pelo, no son simplemente claims técnicos. Son una respuesta a problemas estructurales que la industria ha arrastrado por años: daño acumulativo, desinformación y soluciones superficiales.

En ese sentido, el producto deja de ser protagonista.

Lo que importa es el sistema.

Un sistema que entiende el cuidado capilar como una rutina integral: limpiar, acondicionar, nutrir y proteger, no como pasos aislados, sino como una secuencia coherente.

Estructura detrás de la estética

Detrás de este proyecto hay también una lectura interesante sobre cómo se construyen las marcas hoy.

La experiencia no depende solo de la creatividad, sino de la capacidad de sostenerla en el tiempo. Distribución, operación, consistencia. Elementos que rara vez se ven, pero que determinan si una propuesta realmente trasciende.

Porque si algo ha demostrado la evolución de la industria es que la estética sin estructura no escala.

El pelo como territorio cultural

Hablar de pelo en México es hablar de identidad.

De historia.

De códigos sociales.

De cómo nos presentamos frente al mundo.

En ese sentido, el cuidado capilar deja de ser una conversación aislada de la belleza y se conecta con algo más amplio: la construcción de la imagen personal en una cultura cada vez más consciente de lo que comunica.

Lo interesante no es que existan nuevas fórmulas.

Lo interesante es que empieza a existir una nueva forma de entenderlas.

Una donde el conocimiento sustituye a la intuición.

Donde el proceso importa más que el resultado inmediato.

Y donde el verdadero cambio no está en cómo se ve el pelo, sino en cómo se entiende.

Porque al final, no se trata de transformar algo externo.

Se trata de aprender a leerlo.

POR PAZ AUSTIN

Hace unas semanas, Guanajuato se vistió de gala para  celebrar  El Concurso Nacional de Sommeliers 2026, organizado por  La Asociación de Sommeliers Mexicanos, presidida por la  reconocida Sommelier Gina Estrada. Con los mejores sommeliers de México como testigos y entre copas de vinos mexicanos y extranjeros la comunidad vinícola se  reunió con un propósito que a todos nos llenó el corazón de orgullo: homenajear a Lulú Martínez Ojeda como la Enóloga del Año. Y seamos honestos, en el mundo del vino y la gastronomía mexicana, a Lulú no solo se le respeta, ¡se le adora! Su carisma magnético, su autenticidad y ese encanto único se trasladan directamente a cada una de sus creaciones.

Orgullosa oriunda de Ensenada, Lulú creció rodeada de buena comida y grandes deleites gastronómicos, una escuela natural que marcó su vocación. Su pasión la llevó a Francia, donde se formó en Burdeos y perfeccionó su arte durante más de una década en el prestigioso Château Brane-Cantenac (un Segundo Grand Cru Classé en Margaux). Ahí absorbió la filosofía del terroir de la mano del viejo mundo, pero el destino la quería de vuelta en casa.

En 2015 regresó a México para revolucionar el panorama al frente de Bruma Vinícola, consolidando una propuesta de frescura, elegancia e innovación que ha sumado como pocos  a crear la identidad actual de los vinos del  Valle de Guadalupe y a las tierras de Ojos Negros.

LA RESERVA DE LA ENÓLOGA

Hoy, Lulú brilla más que nunca. El lanzamiento de su colección «La Reserva de la Enóloga» con Bruma es la prueba viviente de su esencia: monovarietales de viticultura fina, actual, con etiquetas divertidas, en tendencia y con mucha onda que piden a gritos estar en las mesas de los lugares más trendys de la CDMX, Los Ángeles y la Riviera Maya.

Pero su impacto no se queda solo en la copa, porque Lulú destaca no solo en México, ella es una embajadora internacional del vino y la gastronomía nacional. La podemos ver como invitada de honor en los festivales más importantes de California y Nueva York. Como jueza en concursos gastronómicos de alto impacto e incluso como estrella en streamings globales. Próximamente la veremos como la host de la segunda temporada de Ingrediente: México, la aclamada serie documental gastronómica nominada a los Daytime Emmy Awards.  ¡Qué figura!

Lo más poético de su momento actual es su regreso a los orígenes.

En un movimiento histórico para la industria, se consolidó su rol como enóloga consultora de Bodegas de Santo Tomás,  la vinícola más antigua e histórica de Baja California.

Este nombramiento no es una coincidencia corporativa; es un lazo emocional y familiar profundo. Los antepasados de Lulú cultivaban uvas en la región de San Vicente que eran vendidas originalmente a esta misma casa vinícola. Hoy, ella regresa para aportar su visión contemporánea y regenerativa al legado que su propia familia ayudó a sembrar.

«Para Lulú, la enología trasciende la producción: es un acto cultural, un reflejo del entorno y de una comunidad que apuesta por la excelencia.»

Lulú Martínez Ojeda no solo está haciendo vino; está definiendo el presente y el futuro de la industria en Latinoamérica. ¡Felicidades a la Enóloga del Año! El vino mexicano está más de moda que nunca y México está de moda.

Un espacio donde el diseño, el sonido y la experiencia se encuentran frente al Ángel de la Independencia

En una ciudad donde constantemente surgen nuevos bares, restaurantes y espacios nocturnos, pocos lugares logran diferenciarse a través de una propuesta verdaderamente enfocada en la experiencia. Mimi Disco es uno de ellos.

Ubicado sobre Paseo de la Reforma, a unos pasos del Ángel de la Independencia, este espacio ha encontrado una forma distinta de entender la vida nocturna: poniendo al sonido en el centro de la conversación.

Desde el momento en que se cruzan sus puertas, queda claro que Mimi Disco no fue concebido únicamente como una discoteca. Se trata de un espacio diseñado para escuchar música. Una experiencia que recupera la importancia de la calidad sonora en una época dominada por el consumo rápido y las distracciones constantes.

Uno de los elementos más distintivos del lugar es su sistema de audio Hi-Fi (High Fidelity), desarrollado por el reconocido diseñador e inventor de audio Devon Turnbull, figura internacionalmente reconocida por sus proyectos enfocados en la escucha inmersiva y la relación entre sonido, espacio y percepción.

Una experiencia envolvente donde la música no funciona únicamente como acompañamiento, sino como el principal protagonista de la noche.

La propuesta arquitectónica también contribuye a esta atmósfera. Construido completamente en madera y con una estética inspirada en los años setenta, el espacio combina calidez, diseño e intimidad. Lejos de la espectacularidad excesiva que suele dominar la vida nocturna contemporánea, Mimi apuesta por una experiencia más sensorial y cuidadosamente curada.

Su ubicación privilegiada añade otro elemento a la experiencia. Desde el octavo piso de Reforma 333, los visitantes pueden disfrutar de vistas privilegiadas hacia una de las avenidas más emblemáticas de la Ciudad de México mientras la música marca el ritmo de la noche.

Más allá de la música, Mimi Disco representa una tendencia cada vez más visible en las grandes capitales del mundo

En un año en el que las miradas del mundo vuelven hacia México, CULTO MAR reimagina los símbolos, recuerdos y expresiones culturales que han dado forma a nuestra identidad colectiva.

México vive un momento de protagonismo global, la riqueza de su cultura, su creatividad y su capacidad para reinterpretar la tradición desde una mirada contemporánea han colocado al país en el centro de la conversación internacional. En este contexto, la firma mexicana CULTO MAR presenta DONDE EL MUNDO JUGÓ, una colección de edición especial que transforma algunos de los símbolos más representativos de la memoria colectiva mexicana en piezas de diseño.

La colección nace de una reflexión sobre aquello que nos une como sociedad: los juegos compartidos, los espacios que habitamos, los emblemas que nos representan y las historias que forman parte de nuestro imaginario cultural. A través de tres pañuelos de diseño exclusivo, CULTO MAR propone una nueva forma de acercarse a la identidad mexicana, convirtiendo elementos cotidianos en piezas de arte portátil.

La primera propuesta, Serpientes y Escaleras, encuentra inspiración en uno de los juegos de mesa más populares de México y Latinoamérica. Con una estética que evoca los años ochenta, la pieza rescata la nostalgia de aquellas tardes donde el juego se convertía en un punto de encuentro entre amigos y familia. Más que un homenaje a un tablero, el diseño celebra la convivencia y los recuerdos compartidos que trascienden generaciones.

Por su parte, Todos Somos América explora el concepto de identidad desde una perspectiva contemporánea. La pieza reinterpreta elementos del escudo nacional para construir una narrativa visual donde el jaguar ocupa el centro de la composición. Símbolo ancestral de fuerza, protección y sabiduría, aparece acompañado por rosas mexicanas que representan resistencia, sensibilidad y belleza. El resultado es una declaración gráfica que reflexiona sobre las raíces, la pertenencia y los vínculos culturales que nos conectan.

La tercera pieza, Mextrópoli, captura la energía visual de la Ciudad de México. Inspirada en la arquitectura monumental de los años setenta, la gráfica psicodélica y la cultura pop urbana, la composición reúne monumentos, referencias arquitectónicas y símbolos reconocibles que reflejan la vitalidad creativa de una de las capitales culturales más importantes del mundo. Es una celebración de la ciudad como espacio de encuentro, innovación y expresión artística.

En un momento donde la identidad de marca se ha convertido en uno de los activos más importantes para cualquier empresa, Santas Alitas demuestra que el crecimiento también puede construirse desde la cercanía, la comunidad y una visión empresarial de largo plazo.

Porque detrás de las marcas que construyen México, siempre existe una historia de personas que apostaron por crecer junto con quienes las acompañan.

Las pulseras son elaboradas a mano por artesanos vinculados al colectivo Mundo Huichol, quienes trabajan principalmente con creadores de Jalisco y Nayarit. A través de técnicas tradicionales de tejido en hilo y trabajo en chaquira, cada pieza requiere precisión, dedicación y un profundo conocimiento artesanal transmitido de generación en generación.

Más allá de su valor estético, la colección busca reconocer el trabajo de las manos mexicanas y contribuir a mantener vivas tradiciones que forman parte del patrimonio cultural del país. Cada pulsera representa horas de trabajo manual y una historia que conecta pasado, presente y futuro.

La presentación oficial de la colección tendrá lugar en la Pop Up Daniel Espinosa, ubicada en la vitrina de la Secretaría de Turismo sobre Avenida Presidente Masaryk, uno de los escaparates más emblemáticos de la Ciudad de México para la promoción del diseño y la creatividad nacional.

Con esta colaboración, México Está de Moda reafirma su compromiso de seguir creando puentes entre artesanos, diseñadores, creadores y nuevas audiencias, demostrando que la riqueza cultural de México continúa inspirando propuestas contemporáneas con alcance nacional e internacional.